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《阿凡达》：神作的真谛

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 12:40:40 +0800

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大家都说《阿凡达》（Avatar）会是一部“神作”——或者至少期望如此——因为今年北美票房虽然创了记录，但那些所谓的“好莱坞大片”中，实在没有真正拿得出手的。年末了，不论中外，都有些“年终总结”的情结，于是乎大家的期望就高涨起来。
更何况，“神作”总得要“神导”出品才行，偏生今年大家耳熟能详的几位够格的“神导”都偃旗息鼓，不是没推出新作、就是转移了阵地玩小众；真正镇得住岁末档压轴戏的，还真只有“卡大神”（James Cameron）。
但是，这是否意味着《阿凡达》就是“电影”神作了呢？会开创电影“艺术”的新纪元呢？
【一】
千万不能这么想。个人认为，“开创艺术新纪元”和“神作”没有必然联系——前者注重前卫而先锋的想法、概念、与意识，后者则需要完美的执行力。“完成”得不好的艺术理念，离“神作”的标准还很远。在电影这行，艺术家是一棍子可以打死一片，但真正能在实施过程中苛求完美、并且也能实现完美的没几个。从这个意义上说，“神作”不仅不应该被吹得如在云端一般飘渺，反倒应该是……像最强壮男人的胸膛那般……踏实，像这种非常坚实、能经受得住百般挑剔的状态，英语中有个非常适合的词叫“萝卜丝特”（robust）。是的，我认为，“神作”都应该是萝卜丝特的。
可是，“神作”难道不应该是“深刻”的么？
事实是：电影从来没有“深刻”过，而且也没必要“深刻”。个人觉得，“深刻”总得和“原创性”挂钩才有意义。如果电影表达的东西，都是前人思考过、甚至是思考过无数遍的东东，那有什么深刻意义可言呢？我还从来没有发现有一部电影所表达的思想是原创的深邃思考，所有表现的东西都有据可查、有前例可援。在这个意义上，且不说“电影一思考，人类就发笑”吧，至少“前人”是会发笑的。作为一种表现艺术，电影何必要深刻呢？再深刻的主题思想，表现方式很差劲，那也是垃圾；反过来，再烂俗的主题，表现方式新颖以至于令人对同一主题有前所未有的“感受”，那就是表现艺术的胜利。所以，作为“神作”的电影，“深刻”与否是无所谓的。
搞掂了“神作”的特性，评价《阿凡达》似乎就是一件轻而易举的事情了：
《阿凡达》是萝卜丝特的么？是的。
《阿凡达》是深刻的么？无所谓。
所以，《阿凡达》是神作么？呃~~暂时不太清楚。
【二】
“神作”的帽子很大、却很简单，不掰开了细说，是难以下结论的。以上说的都是“必要条件”，不具备铁定成不了“神作”；但是反过来，即使必要条件全具备了，那还得看电影整体以及各方方面面执行得如何，才能充分地下结论。
就电影故事而言，想必大伙都知道了，《阿凡达》的故事比较简单，也一点都不深刻。说白了，影片情节在大的层面上是太空版的殖民与反殖民斗争，在个体层次上则是一个跨越种族的爱情故事，都没啥新鲜的。但是，这种设定对电影而言是“萝卜丝特”的——换句话说——是足以支撑起电影叙事需要的。直观地说，一个“萝卜丝特”的故事给人的感受有二：一，既靠得住又不牵强。《阿凡达》的情节设定，基本上没有让人觉得荒诞或者百思不得其解之处，像那种在其他大片中常见的“危险总是追着主角走、但总是差一步”的情形基本没有。我一向比较佩服卡梅隆玩弄桥段的能力：他总是能将一些本来是俗套的东西，调度得让观众感觉“本应该如此”，这就是“萝卜丝特”的真谛；另外，影片故事“萝卜丝特”与否，还可从编导钩织情节背后的诚意与努力来略窥一斑。一般而言，从“诚意”来看影片的质量是很不靠谱的，因为没有哪个片方会在宣传时强调自己“没有诚意”。这里关键得看“人”，电影制作“人”里的核心是导演，导演实沉了，这电影的故事也“虚”不到哪去。向来崇尚“自己动手、丰衣足食”的卡梅隆，绝对是好莱坞最“实在”的导演之一，再加上长达十年的打磨，包括对整个潘多拉世界的设定，积累了如此丰富的“营养”，《阿凡达》这个“孩子”想不强壮都难。
但是，一个“强壮”的、能担当得起整部电影架构的孩子，未必是顾盼生辉、富有魅力的孩子；而在个人的字典里，“神采”才是一个能达到“神作”级别的电影故事所具备的充要条件。《阿凡达》的故事，尤其是中间部分对于潘多拉星球地貌生态、以及Navi土著文明的展现，完美地弥补了通常大片第二幕比较沉闷无聊的缺陷，使得整部电影感觉非常紧凑，将近三个小时的片长也似乎过得特别快；不过，这个故事最终还是流于常规，因为可预期的转折与结果而缺乏惊喜，无法带给人新鲜的感触。
【三】
其实，像《阿凡达》这样常规的故事，即使不朝“深刻”的方向整，也是可以通过细节设定的丰富化、而带来一些更复杂因而也更有深度的元素的。对电影表现力而言，其实压根就没啥“先天深刻”的主题，只有对既定主题的演绎“深度”、才决定了电影本身的深刻与否。《阿凡达》所选择的主题，什么“反殖民”啊、“环保”啊、“生态和谐”啊，不管认同其中哪一个，在“唯深刻论者”们看来，无疑都是很深刻的、牛A的命题；然而，单单选择这样的主题，并不能保证电影本身是有深度的。对于《阿凡达》的故事，个人认为演绎得过于简单、以至于过于浅显了一些。我不需要它从深层次“打动”我，但我希望它能在需要观众情感参与的时候“煽动”我、好让我忘掉自己是在看电影而想跳进画面去和主角们一起大杀四方。
从大的方面来说，《阿凡达》对于剧情冲突的设定，是简单的正邪对立、非黑即白；而在每一阵营内部，也欠缺多样性，彷佛两块铁板在那相互碰撞，阳刚的氛围是有了，但稍微有些傻气。此外，这样一种简单对立关系的最大不良后果，是角色形象的单一。本来我以为在人类雇佣军这一方，应当是有不同意见的，特别是军事指挥官和行政首脑之间，其想法应当有细微区别才是，那样会使故事与人物都更立体化，可惜没有。作为一个整体，人类似乎是坏人，Navi人都是好人，坏人中的好人（主角和他的朋友们）的作为也是常见的典型；而且，每一个角色群，他们的想法都是单一的……这样一来，这个故事再“萝卜丝特”，也是老老实实、循规蹈矩的“萝卜丝特”；大家不妨想想：权老实再强壮，能敌得过未央生的俊俏风流么？所谓“神作”，是千万不能老实的（有不知“权老实”、“未央生”为何方人氏者，请致电小学语文老师强烈要求补课）。
【四】
关于《阿凡达》的故事，目前有各种各样的类比，个人觉得一个最恰当、却从来没人提到过的框架类似的电影，应该是宫崎骏的《幽灵公主》：一样的本来不相干却卷入两大冲突群体的主人公、一样的关于资源掠夺与资源保护之间斗争、一样的跨越族群界限的情感关系。这样的故事，比《与狼共舞》更“绿色”，比《风中奇缘》更有社会群体背景，与《阿凡达》想要表达的东东基本一致。可是，稍微对比一下《阿》与《幽》，就会发现在框架设定的复杂微妙、以及由此影响到的角色性格的生动丰满、乃至最终的情感与思维震撼上，《阿凡达》都是无法比肩《幽灵公主》的。尤其是后者中的幻姬大人这个角色，虽说从行动上和《阿凡达》中人类军事以及行政事务官所作所为差别不大，但行为动机、以及这种动机所体现的人格复杂性，则相差太大了。
我自然也明白卡梅隆的良苦用心——最简单的才是最通用的——就像《泰坦尼克》中的爱情，其实是最烂俗的，但恰恰是这种没啥特色的故事吸出了全球各色女性的眼泪。偶当年曾幻想：要是《泰》的主角是那一对在漂浮的床上抱在一起、温馨面对死亡的老夫妇该多好！他们的人生，有可能是一个将《飞屋历险记》（Up）中那五分钟延长的感人故事……不过，这样一个故事恐怕就很难帮助卡梅隆站在世界票房之巅了。我从来都觉得，对于男女感情关系的处理，是卡大神为数不多的弱势之一。他最多能将这种关系整得滴水不漏了，但是往往会缺乏光彩——《深渊》（The Abyss）中那一对深海钻探的夫妻档，算是卡老师描绘得最有神采的男女关系了。《深渊》中的男女关系，看设定其实也很简单而典型，但是它有细节，而且是那些琐碎中更见细腻的描绘；而《阿凡达》中男女主角之间的互动，就缺少这种令人回味细节，一切交往的步骤都显得很程式化，没有任何硬伤，但也没有任何火花。这点直接影响了像偶这样爱胡思乱想的观众对这个故事以及其中感情的共鸣，比如说影片中男女主人公比翼齐飞的场景，美是美极了，极具视觉冲击力；但偶就是忍不住联想起《狮子王》（The Lion King）中的“瀑布嬉戏”、与《机器人总动员》（Wall.E）中的“飞天旋舞”段落，耳朵里飘起的也似乎是《Can you feel the love tonight》之类的靡靡之音……
也就是说，《阿凡达》中不不粗糙、但也不精细的故事设定，没能让偶激动起来；而这其中包含的一望即穿的思维层次，也不是那种能让人愿意静下心来从思考中获得乐趣的类型；就算是那些打“通俗”牌的温情设定，也有些滥斛。一般而言，叙事性的“神作”电影，要在以上“冷”、“热”、“温”中至少达成其中一项或者兼而有之；《阿凡达》的故事框架及具体演绎，距离那样的高度还有不小的距离；你可以说卡老师没有那样的野心、或者说不值得为了那样的目标而放弃商业上的成功，但同样也不能说《阿凡达》能在电影表述方面进入“神作”的范畴。
【五】
幸好，《阿凡达》不止是要讲一个故事。在个人看来，影片情节之外的设定，比这个故事本身要精彩得多得多。
作为类型片，《阿凡达》的定位是Sci-fi Fantasy；既然扯上了科幻之名，不整出些新鲜的理念来，实在对不住这史无前例的阵势。具体的科学的玩意偶就不提了，什么半人马座阿尔法星系各天体之间的运动轨迹、什么潘多拉星球的引力指数与Navi族人身高的关系、什么珍稀矿藏Unobtanium与圣域浮山的形成原理，等等，这些都大大超出一个高考物理差点没及格的理科败类的认知范畴。严谨的科学内容是需要强大的运算能力的，那些就留给物理满分的优等生去做好了；偶们废材只好鼓捣些看得见、摸得着的、或者说完全不需要研究——说白了就是只需瞎想——的东东了。
最先吸引我眼球的，是卡老师的老朋友、也是本人时常YY能够拥有的一件物事——单兵武装机甲（Armed Personal Unit，简称APU）。想必大家对《异形2》结尾的一场地球女性PK异形皇后的终极大战印象深刻，进入本世纪以后，大伙也都在大银幕上领略过《黑客帝国3》中锡安机甲战团用抗百万机械章鱼大军的壮烈，今年在《阿凡达》之前，《特种部队》与《第九区》中也有人形机甲的精彩展现，所有这些电影场景中，都有“人机合一”机械系统的参与。对于硬核派科幻作品而言，个人觉得在最近两百年的时空范围内（《阿凡达》的故事发生在公元2154年），“人机合一”系统都将是人类举足轻重的道具。
所谓“硬核”科幻，核心要义是其设定讲究逻辑依据与科技发展轨迹的。“人机合一”兴起的必然性，是由人体的物理局限决定的。简单说来，在自动化机械智能等级有限、而人体自身又比较脆弱的情况下，以人类智能控制准自动化机械、以机械增强并保护人体物理技能的“二合一”方式，也就成为自主智能化机械完全成熟之前最合理的选择了。
“人机合一”对于科幻迷来说其实早就不新鲜了，动漫迷们可能还更早一些，因为日式动漫里最喜欢玩“高达”一类的美少女战士操纵大铁家伙的套路了。好莱坞主流作品接触这个方面相对较晚一些，所以《异形2》中的装置看起来颇具先锋性。不过，最近几年随着美国军方对“外骨骼”（exoskeleton）概念越来越感兴趣、并开始投入资金研究，这才激发了艺术人士在这方面的想象与创作热情。

《阿凡达》：外星红河谷的环保寓言

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 12:26:58 +0800

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文/公元1874
对于这部正在破掉无数个电影票房记录的电影，我并没有太多关于《阿凡达》在技术方面有多么多么突破的话要说。《阿凡达》所展现的电影技术，已经是无数媒体和影评所提及的重点，诸如电影里潘多拉星球有多么的绚丽多么的神奇，3D是如何的让你身临其境等等，这些我可以肯定的告诉大家，都是真的。3亿5千万没有白花，即便是像我这样已经“身经百战”的影迷，也对里面的某些场景惊叹不已。当然，如果你抱着极高的期待去，可能会失望，尤其是长期接触游戏和电影的朋友，最好是收回一些期待，以平常心去看，因为毕竟我们只是在“看”一部电影，3D也仅仅只能把场面分成2、3层，这种方式能够镇住不少平时不接触这些幻想题材的观众，但如果你常玩游戏，常看电影，其实不会有太多的震撼可言。
我很喜欢《阿凡达》，早上看完，到现在还沉浸在激动当中，不过，出于对詹姆斯·卡梅隆的喜爱，好话有不少人说，也说得够多了，我就来不合时宜的唱唱反调吧。
早些写其他电影影评的时候，我曾经感叹过如今的电影有些本末倒置，无论是什么样的技术，都应该为电影本身服务，例如剧情，内涵，对白等等。毕竟我们看的是电影，而不是“CGI最新成果展”。像《变形金刚2》《特种部队》或者《终结者4》等等，这些电影的确很刺激，很震撼，很能满足观众的视听娱乐，对于普通人而言，花几十块钱去电影院爽一下，足够了，但对于一个热爱电影的影迷而言，是不是应该有更高的要求呢？
举个例子。我认为“电影革命”是有两种，一种是技术革命，例如《星球大战》，例如《黑客帝国》，例如这部《阿凡达》。电影工业的发展离不开技术，毕竟好的电影技术，能够直接在视觉层面征服观众，迅速让观众找到感觉，进入电影里的世界；另一方面，我更看重的是故事的革命，例如《失忆》，例如《地狱无门》，例如《黑客帝国》。电影需要一个好故事，也需要一个会用技巧来讲故事的导演，这方面我觉得只有极少的电影符合两个层面的“革命感”，就是上面提到两次的《黑客帝国》。无论你对《黑客帝国》如何不屑，首先必须承认的是其在技术层面的革命，其次它在各国历史、文化、宗教、哲学上的大杂烩式融合，同样令人着迷。
抱着这样的心态去看《阿凡达》的话，会让你失望。《泰坦尼克号》里的缺陷在这片子里无限放大，剧情和对白是《阿凡达》最大的毛病，好的电影，应该让你在很久之后还能时不时的回想起里面的对白，而《阿凡达》与《泰坦尼克号》一样，实在没有过多的对白可供回味，他们是标准的电影工业流水线的产品，起承转合都很到味，就像肯德基和麦当劳一样，买一对鸡翅，都是一样的味道，绝对不难吃，但你吃完了不会有什么留恋和回味的余地。我们能够记得《阿凡达》里圣母树的场景，但却不记得树下男女主角都说了些什么；我们能够记得站在船头的露丝和杰克，但却不会记得他们谈情说爱时的只字片言。花3.5亿美元拍一部电影，再花1.5亿美元去宣传它，詹姆斯·卡梅隆却自负的不愿意花哪怕1000万美元来请一位好编剧写剧本。
其实这个故事已经非常的吸引人，要讲的核心思想也呼之欲出。《阿凡达》其实很有折射我们现实的意思，地球人去外星滥砍滥伐，破坏环境，所糟蹋的是一直以来生物和植物和谐共存的潘多拉星球。影片有许多非常有意思的细节，例如整个潘多拉星球的生物都是可以互联的，在动物之间可以用头发的触丝进行心灵感应，动物和植物之间也能通过错综复杂的植物神经来交流，借助于出色的电影技术，这些交流过程可以让观众看得十分享受，詹姆斯·卡梅隆就像带着摄影机到了一个真实的潘多拉星球去给观众拍摄一样。《阿凡达》展现了一种别具一格的动植物的关联体验，这在过去是很罕见的。同时对于环境的担忧贯穿影片始终，按理说，这个剧情大致的确是算过得去了，满足一般观众也完全没问题，但如果你要对影片有进一步的要求，就会发现问题所在。
影片是以一个退役的地球军人角度来出发。他参与了阿凡达计划，到纳威人当中生活、学习，在遭受危险被纳威人救了之后，他和纳威人越走越近，进而和纳威女孩产生感情，而官方则利用他收集纳威人的资料，最后进攻纳威人居住的森林。这个故事大致上就是《红河谷》的翻版，我想詹姆斯·卡梅隆应该免费给冯小宁导演一张票才是。故事有些相似其实并没有什么问题，但关键在于影片的走势都太平淡了，太波澜不惊了，那雇佣军的老大要发飙，主管如何的举棋不定，男主角如何的心理煎熬，大战前的总动员……一切都是那么的似曾相识，让你感觉像是在看一部标准的好莱坞大片。也就是说，你抱着看部技术出色的好莱坞大片的心态去看《阿凡达》，会非常满足；但如何你想抱着看一部故事波澜壮阔，意想不到，发人深省的电影的心态去看《阿凡达》，结果是令人遗憾的。
但是《阿凡达》毕竟不能和《变形金刚2》《特种部队》这些纯粹宣扬美国军队最强的故事去比。即便《阿凡达》的故事如此俗套，它所讲述的内涵依然值得我们深思。保护环境是一件刻不容缓的事，而我们却在一边高喊着保护环境的同时，一边肆意的破坏着我们的环境。看着潘多拉星球的生命树在狂轰滥炸下缓缓倒下的时候，我心里涌上了一股杞人忧天般的忧伤：如果我们的地球也面临这一天的时候，又有什么样的阿凡达能够拯救我们呢？詹姆斯·卡梅隆能够立意到这个层面，值得人尊敬。
《阿凡达》作为电影技术的里程碑，无可置疑；而我所建议的就是还没有看这部电影的观众调整好心态，就像期待《变形金刚2》那样去看它就可以了；《阿凡达》是一出发生在外星球的环保寓言故事，值得每一个对我们的家园所关心的人去深思。同时我也衷心希望詹姆斯·卡梅隆在这次票房大获成功之后，能在下一部电影里用心去提高电影故事本身的质量，毕竟只有在技术和故事两手都抓的前提下，才能造就真正的传世经典。

2009年中国十大赔钱电影

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 12:21:02 +0800

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今年中国电影的票房总额预计将达到60亿元的总额，相比去年的43亿，增幅近40%。这个数字未必精确，但不可否认的是中国电影产业已经进入了一个迅猛扩张阶段。然而一个国家电影产业发展的健康度不仅仅应该是从票房总量来考量的，当占总数量10%的影片贡献了超过50%的票房，这个行业可以说是在以一种高风险的方式运营着，都知道票房要达到投资额的三倍制作方才开始赚钱，大部分的影片挣扎在投资收益的剃刀边缘，更有为数不少的影片干脆沦为票房大战的炮灰。观众看到的是一部失败的影片，但在这背后，是投资商的血本无归。当中国电影进入大片时代以后，这个产业越来越像一场豪赌了。

下面的10部电影不是今年票房最低的影片，却应该是投资收益率最低的影片，或者是期待与现实落差最大的影片，他们自以为播下的是龙种，到头来却收获了跳蚤。

（部分票房数据来自时光网不二）

1、《二十四城记》

票房：160万

这是贾樟柯继《世界》和《三峡好人》后第三部进入院线的电影，也应该是他投资最高的一部电影，据说达到了1200万，160万的票房应该连它的宣传费用都不够，但也是贾樟柯电影创纪录的国内票房了。贾樟柯的电影对国内观众有一种决不妥协的决绝，如果说现在还有谁是为了洋鬼子的电影节拍电影的话，可能也就剩下贾樟柯了。2006年，《三峡好人》在威尼斯电影节上荣获金狮奖，这也是迄今为止中国电影最后一次在国际顶级电影节上扬名立万。到《二十四城记》上映时，人们都应该已经忘记这是在2008年代表中国参加戛纳电影节的参赛作品，也可以说《二十四城记》错过了最好的放映时机，而失去了话题性对这样一部基本没有任何商业卖点的电影来说，损失是巨大的。

《二十四城记》上映日期是3月6日，主打三八节档期，事实证明这个档期是毫无商业价值的，几乎没有观众会认可这个档期的噱头。当时能对《二十四城记》形成夹击的是两部好莱坞影片，分别是2月26日上映的《行动目标希特勒》和3月14日上映的《七龙珠》，但都不构成致命威胁，甚至可以说《七龙珠》的目标观众与《二十四城记》基本都没有交集，所以留给《二十四城记》的经营空间还是很大的，归根结底，《二十四城记》的失败属于自毁长城。

从影片内容上说，虽然这里集结了陈冲、吕丽萍、陈建斌、赵涛等明星，但形式上的另类还是让习惯于在电影院里吃眼球冰激淋的观众望而却步，没什么人愿意在电影院里看一部类似电视栏目的电影的。而文艺青年和白领小资对贾樟柯电影的拥戴也没有转化为票房，宣传上的乏力和失误是显而易见的。我在北京参加的该片的看片会是由上海的《外滩画报》主办的，事实上这样的一个具有很强地域性的媒体号召力和认知度是极其有限的，当然这肯定不是影片唯一的合作媒体，但至少也说明了发行方在宣传上是做了无用功的，并没有把有效信息准确地传达给目标受众。再有，影片涉及了两个城市，成都和沈阳，如果就这两个城市的宣传活动做到位，能够唤起当地居民对影片的归属感的话，就这两地的票房也远不止目前的这个数的。

2、《红河》

票房：800万

章家瑞的名字对大多数中国观众来说是陌生的，即使是在喜好文艺片的小众群体中认知度也不算高，从《诺玛的十七岁》到《花腰新娘》再到《红河》，章家瑞完成了他的云南三部曲，但要靠这个噱头《红河》必定是毫无作为的。于是除了章家瑞的御用女主角张静初以外，制片方还请来了金像影帝张家辉、昔日的三级片女星李丽珍、曾经在香港警匪片中叱咤风云的李修贤三位香港演员加盟，应该说这个老中青传帮带的阵容还是具有一定的吸金能量的。

《红河》的开画日期是4月10日，正是一年中影市最淡的时候，当时已经上映了半个月的美国影片《贫民窟的百万富翁》依旧凭借奥斯卡金像奖的光环傲视群雄，而即将于4月15日上映的分账大片《赛车风云》也虎视眈眈，而《红河》也是具备了虎口夺食的实力的，因为当时确实也没有更拿得出手的国产影片与之竞争。《红河》其实可以算做一个中越边境版的上海滩恩怨故事，这里面有爱情，有仇杀，有情趣，应该是中国人乐于接受的一个故事文本，演员阵容也还算齐整，但最终800多万的票房实在是差强人意。

这里最大的问题还是出在宣传上，事实上当我得到通知去观看《红河》的时候，我还根本都不知道有这样的一部电影要上映，我自觉还是个比较关注电影上映动态的人尚且被蒙在鼓里，可见上映前的造势是多么的不到位，无人期待自然也就无人喝彩，4月22日高调上映的《南京南京》彻底将《红河》踢出了影院。

3、《拉贝日记》

票房：800万

虽说这是一部德国电影，但由于涉及的是中国人最敏感的话题之一，还有华谊兄弟公司的深度参与，还是值得一说的。

事实证明，《拉贝日记》是一部质素平平的商业电影，其立足点是西方人心中的普世情怀，而将这种情怀与南京大屠杀这样让中国人60年来每每提及就痛彻心扉的民族浩劫相结合时，《拉贝日记》的叙述显得肤浅而片面。电影局一向对涉及到中国的外国影片审查严苛，而对这样的用贬低甚至丑化中国人的方式来突出西方人救世主姿态的影片却大开绿灯，实在让我很不解，毕竟片中的中国人在屠杀面前所做出的反应只有慌乱、盲从、自私、愚昧，他们好像是专门为了给拉贝等人添麻烦而存在，纯粹是一群等待西方拯救的待宰羔羊。不知道面对这样的电影，中国人的民族自尊何存？

但即便是《拉贝日记》的自身素质存在问题，但凭借题材优势也理应获得更多的关注的，但最终不足800万的票房可以用惨败来形容，连《南京南京》的零头都不够，可以说《拉贝日记》不是败给了自己，而是败给了档期。《拉贝日记》上映的日期是4月29日，比《南京南京》拖后了一周，当时《南京南京》在电影市场上已经是凯歌高奏，剑指一亿了，很难想象会有多少观众愿意在短期内两次走进电影院去感受那段梦魇般的民族劫难，而当观众要在这两部影片中取其一时，《南京南京》的口碑效应和本土优势又是《拉贝日记》难以与之抗衡的。据说《南京南京》的档期是在《拉贝日记》档期确定之后临时调整提前的，发行方中影公司借《南京》打压《拉贝》的企图很明显，而《南京南京》也确实具备了这样的实力。

华谊公司在题材炒作和宣传上也一向不弱，但面对《南京南京》的气势如虹，也只能硬着头皮仓促应战了。事先王中磊放言《拉贝日记》的票房要做到5000万甚至一亿，这样的话也就是说说而已，他自己都不信，但这种宁可被打死也不能被吓死的豪迈还是可嘉的。其实谁都知道要让《拉贝日记》压过《南京南京》的风头是不可能的，所以《拉贝日记》的宣传团队采用了制造与《南京南京》的口水战的方式来扩大影响，特别是抓住了陆川在媒体访谈中刻意“贬低”拉贝在南京大屠杀中的历史作用的痛脚大作文章，表明上看双方剑拔弩张，实际上这只是《拉贝》在搭《南京》的便车以尽可能地扩大自己的市场份额的无奈之举。其实这个宣传思路很高明，但这个题材实在是太特殊，即使搭上了便车也难逃陪太子读书的命运，而五一档期的分账大片《金刚狼》的上映又进一步将观众分流，《拉贝日记》只能落得个惨淡收场。

4、《追影》

票房：1000万

为了躲避《变形金刚2》的炮火，七月中下旬出现了国产电影扎堆上映的局面，重头戏是7月24日上映的《窃听风云》，7月30日同时开画的《大内密探零零狗》和《追影》，这其中前两部影片最终都昂扬过亿，而华谊公司再次败走麦城，投资2000万的《追影》，票房仅仅是勉强过了1000万而已。

其实《追影》和《零零狗》同属于恶搞喜剧片，事先的宣传攻势也是半斤八两，但最终冰火两重天的待遇，其中的原因值得玩味。首先，《灵灵狗》的成功很大程度上归功于发行方中影公司的强势，在影院公关上就压过了同档期的其他影片，即使是到了8月7日分账大片《特种部队》上映时，《灵灵狗》的吸金势头依旧很猛。但话又说回来了，如果《追影》能够受到追捧，影院出于商业利益考虑也没有理由不更多地安排场次，无奈影片本身的口碑也是太差，就影片本身的规模和硬件水平来说，《灵灵狗》超过《追影》是正常的，但也不至于如此悬殊，不否认吴镇宇是个有想法的人，但他的导演水平还仅仅停留在玩票的水平，武戏不精彩，文戏太弱智，而且大量堆砌山寨明星的噱头让观众很反感，无论哪个层次都难以让观众满意。而王晶则显得老练得多，虽然很多观众对《灵灵狗》的评价也并不高，但影片也根本没有把高端观众作为自己的目标受众，这就是一部很单纯的闹剧电影，就是在低俗喜剧上做到极致，剧情和人物的打造也都相对严密，道具和人物造型的设计也不乏创意，对于严重缺乏优质喜剧的中国电影市场来说，这就足够了，灭掉《追影》也是顺理成章。

5、《白银帝国》

票房：1800万

《白银帝国》上映日期是8月21日，正是暑期档后期混战的时候，当时投入这场乱战的影片有《非常完美》、《特种部队》、《机器侠》、《飞屋环游记》等，断其后路的还有8月28日上映的《气喘吁吁》，在这些喜剧片和动作片包围之下，《白银帝国》显得如此的落寞和另类，给我的感觉就是在错误的时间出现在了错误的地点。据说《白银帝国》用的是晋商后裔郭台铭的投资，一千多万美元，我对这个数字很怀疑，中国的电影在宣传的时候总是将投资放大到两倍甚至三倍。但即使打个四折，《白银帝国》的投资也达到了四五千万，最终的票房是一千八百万，也没少赔，而且浪费了一个很好的题材，毕竟原著小说的质量是有目共睹的。

我承认《白银帝国》的制作精良，但其缺陷也是致命的。从片名和题材上理解，这应该是一部史诗性的商战大戏，而从最终呈现的效果来看，情感戏的泛滥稀释了影片本来应有的纯度。结果是想看商战风云的观众觉得很不过瘾，郝蕾的后背也吸引不了想看爱情戏的观众，两面都不讨好。可以说《白银帝国》从一开始就输了，输在观众定位上，这注定不是一部能够通吃的电影，却又想面面俱到，结果造成了自己的灰头土脸，面目模糊，在硝烟弥漫的暑期档大战中，被忽视是必然的。

另外这个档期选择是绝对错误的，暑期档的片子很多，并且在这个阶段的观影人群中动作片和喜剧片更有人缘，此类影片的宣传也是铺天盖地，影院为了利益回报，自然会将更多的银幕安排这些电影，于是《白银帝国》的放映空间也就迅速被挤占殆尽了。我想如果《白银帝国》能在一个相对清淡的档期作为主打影片做长线放映，不至于像现在这样的一败涂地。

6、《天安门》

票房：300万

进入9月，为国庆献礼的影片开始陆续登陆院线，9月2日上映、中影投资3000万的《天安门》是这个献礼大军的急先锋。

不能否认的是，中国的观众对主旋律电影有一种本能的反感，因为他们觉得这样的电影拍出来就是教育人的，只应该是由公家买单组织观看的。其实现在中国的主旋律电影也开始迎合市场化的需求了，最典型的就是《建国大业》，其实《风声》也可以算做主旋律电影的。平心而论，《天安门》其实不难看，有些情节还很有趣，如果抛开其主旋律背景，纯粹把它看做一部普通的剧情片来看的话也是合格的，但最终的票房仅仅是可怜的300万。至于其他的诸如《沂蒙六姐妹》、《惊天动地》、《万家灯火》等献礼影片的票房，基本上可以忽略不计了，更别提那些连院线都挤不进去的“献礼一窝蜂”们，只能靠电影频道给他们发青春补偿费了。

影片上映10天后，在导演叶大鹰的博客里看到他写的一篇题目为《被冷落的毛主席》的文章，他满怀委屈地抱怨影院给《天安门》安排的场次太少，时间太差，并且在最后很没风度地发出了这样的央求：“我再一次恳请各地院线的经理们：把《天安门》多放几场，让观众去看看毛主席吧！”他所说的“看看毛主席”是指他们在影片中用电脑技术合成的开国大典当天的毛主席影像。如果作为本片的导演只能把这个制作拙劣的“特技场面”作为最大的卖点来宣传的话，那也只能说这部影片是死得其所了。其实你讲革命故事没关系，至少在包装上讨好一下观众，《天安门》这样的名字起得太随意，不知道的以为是《圆明园》、《大明宫》那样的纪录片呢，想在票房上有所作为，那至少找个有票房号召力的明星来，普通观众有几个知道潘粤明郭柯宇的啊？观众用脚投票是最公平的，你可以抱怨电影局没有给你《铁人》那样强制性超长档期的待遇，没有必要抱怨电影院减少放映场次，人家也要吃饭，卖不出票去安排再多场次有什么用呢？叶大鹰曾经抱怨《建国大业》的宣传费用是《天安门》的20倍，但你要自己想一想你的电影有没有给做宣传的公司提供了可供炒作的卖点。

7、《爱有来生》

票房：200万

《爱有来生》上映后，如果要评选中国最美丽的女导演，那非俞飞鸿莫属了。但导演的美丽并不能给电影带来好运，《爱有来生》区区200万的票房不知道是不是会为俞美眉未来的导演之路蒙上阴影。

《爱有来生》上映日期是9月3日，《天安门》上映的第二天，当时还正是《气喘吁吁》在观众的谩骂声中爆收票房的阶段，这再次印证了电影明星和电视剧明星的成色差别，葛优可以让一部恶评如潮的电影票房长虹，但俞飞鸿和段奕宏的组合却不能拯救一部格调清新的诚意之作。《爱有来生》公开曝出的投资是4000万，其间还经历了俞飞鸿因为首批拷贝的质量问题而自掏腰包冲印拷贝的事件，可见这部从筹拍到上映历时4年的影片是俞飞鸿寄予厚望的呕心之作。从影片的观感来说，除了节奏和叙事有点像电视剧以外，其他都还好，尤其是画面和光影都很考究，可见是专业的幕后班底做出来的东西，但是我还是看不出来这4000万花到哪儿去了，这个肥皂泡吹的有点大。

其实《爱有来生》暴露了一个重要问题，那就是在中国纯爱片没有市场。电影产业的粗放经营导致了电影观众在选择影片时也存在着导向性的盲目性和从众性，一个普通的电影观众一年进电影院的平均不足5次，那么这些观众会把这有限的几次消费献给哪些电影呢？当然主要是造势凶猛的大片，视觉奇观是大部分观众观影时最首要的要求。而纯爱电影大家觉得在家看看电视剧或网上看看下载也就足够了，没有必要劳师动众地跑到电影院去花那几十块钱看两个人磨磨唧唧。即使是今年的情人节档期，主打的仍然是好莱坞的动作片《玩命快递3》，这是很滑稽的事情。在中国电影市场缺乏观众细分和票价普遍高出观众心理预期的情况下，这种情况将长期存在。

日本是纯爱电影出产最多的国家，也确实拥有很大的市场，很大的一部分原因是因为日本人的生活工作压力比较大，这种治愈系的纯爱电影能够起到心灵抚慰的作用，但另方面日本在纯爱电影的创意角度和题材炒作方面也的确是很见功力，能够有效地制造市场需求，这是值得中国电影去认真研究和学习的地方。当很多人对票房近亿的《非常完美》嗤之以鼻的时候，有没有想到这是中国爱情电影多么大的一个突破呢？

8、《麦田》

票房：850万

《麦田》的投资据说是6500万，最终的票房是800多万，赔了多少钱可以自己算。从影片自身的原因来看，这是一部除了像我这样无条件喜欢何平电影风格的人以外都不会喜欢的电影，但这类人太少了。何平依旧沉浸在十几二十年前新时期思想启蒙阶段的个人化表达之中，用那个时期的电影观念来与现在浮躁和务实的观众心态碰撞，头破血流是必然的结果。

《麦田》的宣传声势很大，毕竟也算是今年保利博纳的重点发行影片，但看不到什么突破性的卖点炒作。距离何平最近的作品《天地英雄》也已经过去了6年，自那以后何平一直在幕后担任影片监制工作，除非是业内人士或资深影迷，这个名字没什么认知度可言。这是范冰冰首次挑大梁的电影作品，可以看到无论是前期的表演还是后期的宣传她都很卖力，遗憾的是这个在中国内地首屈一指的八卦天后，在票房上却毫无号召力。另外，对于一个无意之间走进电影院的观众来说，《麦田》这种类似农业科教片的片名能让他产生消费欲望吗？

《麦田》的上映日期是9月28日，瞄准的是国庆档，显然是对这个国庆档的惨烈程度缺乏足够的预估。尽管距离《建国大业》的上映已经过去了两周，但能量依旧不减，仍然可以对同档期的其他影片产生致命的威胁。而两天后上映的《风声》依靠大规模的宣传和良好的口碑成功地阻击了《建国大业》的吸金势头，但也形成了国庆档两片独大的局面，剩下的十来部影片分食所剩无几的市场份额，影市火爆的背后是投资商的哀鸿遍野。

这里有一个问题是，中国电影是否需要《建国大业》这样的电影来救市。《建国大业》从9月14日上映一直横跨过国庆档，搞得众多影片避之唯恐不及，这也是今年国庆档大量影片扎堆上映的原因，用那么多的炮灰来铸就一部电影的辉煌，与促进电影生产的多元化发展和保护投资商的投资热情之间，到底孰轻孰重呢？

9、《狼灾记》

票房：400万

《狼灾记》的投资人是江志强，香港安乐公司的老板，是靠发行《卧虎藏龙》起家的，同时他也是张艺谋电影的海外发行人，是圈内大鳄级的人物。查不到《狼灾记》的投资到底有多少，不过把一干人拉到新疆巴里坤这样的蛮荒之地进行野外作业，再加上特效、战争场面等，花费一定是少不了。和《麦田》一样，10月2日上映的《狼灾记》也承受了《建国大业》和《风声》这两个票房霸主的疯狂蹂躏，票房仅为400万左右，看来要回本只能发挥江志强的强项，靠海外发行了。

虽然《狼灾记》的卖相似乎比《麦田》还要好一些，这里有性感明星maggie Q、特效场面、七天七夜的激情、中国第一部人狼电影等商业卖点可以炒作，但看完以后，发现激情戏都被剪没了，特效场面很山寨，分不清银幕上到底是狼还是狗，反正跟观众的心理预期差距很大。另外，影片的演员阵容、故事模式在内地都显得水土不服，再加上导演田壮壮过于艺术化的跳跃性叙事方式，很多观众表示根本就没看懂电影到底在说什么。

20多年前田壮壮曾经说过一句话：“我的电影是拍给下个世纪的人看的。”现在已经到了下个世纪了，可惜他的电影还是不能被人接受。他是被一些文化人称为最有希望成为大师的中国导演，但是不知道要造就一个大师得毁多少个投资商。田壮壮在《狼灾记》上映之后参加一个电视访谈节目时说过一句话：“中国现在不需要大师。”我不知道他是在自嘲还是在自省。

10、《秋喜》

票房：500万

今年的中国电影有一道奇特的景观，那就是在国庆档前后，有三位成名的第五代导演陆续推出了他们最新的作品，前两个是何平和田壮壮，第三个是孙周。所不同的是前两位导演的创作动机应该是出于自己的艺术理想，而孙周只是在完成一个命题作文，那就是为广州解放60周年拍摄一部献礼影片，这就是于10月14日广州解放纪念日上映的《秋喜》。影片投资不少，号称是4500万，再现老广州的天字码头和海珠桥爆炸的历史场景，就得费不少银两，但最终的票房是500万左右，这个票房估计有相当一部分是由广东的企事业单位包场撑起来的。

尽管是个政治任务，孙周还是在这部主旋律电影中加入了很多作者电影的痕迹，于是让这部谍战片呈现出了一种与之题材不相符合的细腻风格。不盲目迎合观众，坚持自己的艺术追求这没有错，但是否也应该适当考虑一下市场需求呢？虽说秋喜这个人物是影片中很重要的一个象征，但如果不坚持用《秋喜》这个片名，而换成类似《广州1949》这样的名字，我想市场接纳起来会容易得多吧。郭晓冬和孙淳这两大主演都只是活跃在电视剧领域的演员，有多少观众会愿意掏几十块钱走进电影院去看他们飚戏呢？而且这两个山东籍演员在气质上与这个城市就不吻合，那么多物美价廉的香港演员为什么不用呢？一个优秀的电影导演，应该能找到自我诉求和观众诉求的一个临界点，既不要因为讨好观众而淹没了自己的个性，也不要因为过于执着于个性化表达而远离了观众，什么时候都不要忘记电影的商品属性和工业属性，否则你损害的不仅仅是观众的乐趣，还有投资商的利益。

根据木桶原理，一只木桶盛水的多少,并不取决于桶壁上最高的那块木块,而恰恰取决于桶壁上最短的那块。中国电影的健康程度不能靠一年那么十来部票房过亿的大片来界定，电影市场需要大量风格多样的有商业价值的中小成本电影来繁荣，而这正是我们的短板。很欣赏一句德国谚语：“只发生过一次的事情等于没有发生。”中国足球队进了一次世界杯什么都说明不了，《建国大业》的四亿票房从根本上说也与电影本身无关，如果都被这种不可复制的成功蒙住了双眼那无异于自欺欺人了。

［腾讯娱乐特约专稿，转载请注明］

《三枪拍案惊奇》影评：只摧毁了笑神经

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 12:10:18 +0800

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文/慕容天涯
张艺谋三个字的分量不必多言。其人其影和以往成绩，更是诠释了华语电影世界“导演作品”大过天的特例。于是，当沉寂了三年之后这曾经的金字招牌再次烁烁放光出现在眼前。《三枪拍案惊奇》一部影片喜剧电影，就没有任何来由的引发着关注的热潮，无以复加的火爆。
可是，从影片改编自科恩兄弟的《血迷宫》剧情的消息一出现。公布的大红大绿扎眼剧照在网络上铺天盖地。如小沈阳等一干2009年人气无敌的演员纷纷进组后，这部电影的诸多争论便不能被回避了。
拨开云雾见青天，《三枪拍案惊奇》的喜剧效果达到了近年来的高峰。但是由于地域原因，和题材的可预见性，以及电影整体水准的原因，还要最致命的一点：这种小快灵代替以往大片似的厚重感，像是分量不足般给观者带来的失落，都让张艺谋的这种尝试有着两极分化的可能。
众所周知，张艺谋的电影元素一向鲜明且在以往作品中随处可见。于是，影片一分为二，成为了张艺谋电影班子，与赵本山东北二人转杂交后的产物。整体上看，前者也即是导演方，负责提供电影所需要的硬件，比如灯光、舞美、摄影、道具、音响。后者，也即是赵本山和小沈阳以及程野和毛毛这群二人转演员，把人物通过表演塑造出来。双方合二为一，打造了如今看到的这部电影。三声枪响，虽不完全的惊奇，但是爆笑却比比皆是。

于是，在《三枪拍案惊奇》中，你首先处处可见张式元素的存在。外景地甘肃张掖的特殊地貌，结合着天地之间的日升月移，在摄影师赵小丁的镜头下散发着极限的美感，构图极为合理且视觉冲击力非常强，一些空镜头直逼当年《千里走单骑》般的奇秀。而服装上，色彩浓烈之感再次弥散抢镜，继《英雄》的段落式色调和《满城尽带黄金甲》的贵气逼人后，粉红与嫩绿的超强烈对比，以及个人身上处处在以往影片里不可想象的色差铺满了银幕。很潮很出位，也很傻很雷人。至于那大量室内戏可听见呼呼风声的无台词化处理，更是突出了音效，使得瞬间弹拨的配乐显得扣人心弦。当然，别忘了张艺谋导演的最爱——一辉不死鸟式人物。也即是说，以上这些硬件的要素，和那座在荒凉之地的“王麻子面馆”小院一样，属于突兀存在的提醒，给出了鲜明的编导方烙印，无时无刻不敲打着你，这是全中国和华人世界电影思想上最前卫者老谋子出品的新玩意。
而这种张式出品，是否必属精品呢？
那就来看看软件的现状如何。整部电影，喜剧的桥段都由小沈阳扮演的李四，程野与毛毛扮演的赵六和陈七担负。闫妮扮演的老板娘负责制造情感的细腻和使得剧情在主题上趋向所谓“深刻”。而倪大红扮演的老板和由孙红雷出镜的巡逻队成员张三，则专门打造惊悚和杀戮。表面上分工很明确，且组合起来也运转流畅。
于是，问题来了。你想看到这些演员表现什么？如果以演技论的方法评判。老板娘的这个角色“戏份”最吃重。闫妮的哭泣、怒其不争和泼辣展露无疑。其他人明显尚存差距。可如果站在喜剧的角度，小沈阳扮演的李四就当之无愧的成了第一人。从赵本山友情客串开篇出现后，影片的笑声就从未停止，这种密集程度近年来非常鲜见。小沈阳扮演的李四的这个人物很懦弱、形貌多少有些猥琐，其肢体语言抢镜吗，习惯性的口头语和表情与舞台上的他如出一辙的“欠扁”。至于程野与毛毛的表现，由于并不熟悉倒是眼前一亮，前者的大牙和后者的“笑声”成了亮点所在。其人物的作用，也体现在桥段的演绎上。

于是乎，当作喜剧来看且并不吹毛求疵，这些爆笑的部分与之后的惊悚构成了整部电影的精华。在一些细节中，张艺谋显然在台词上借鉴了东北二人转的幽默方式去处理这些笑点。《三强拍案惊奇》的幽默大致可分为以下三种：其一，是小品般特有的语言幽默，那“破鞋”的说法、“抢答”的模式、以及英语砍价的出现都是小亮点，属于瞬间迸发的灵感和鬼主意，并且由于这些台词可以五花八门的随时随地出现，因此多出现在群戏中。很有可能会与每年的春晚一样，之后这些台词会成为热门的流行语。其二，片中喜剧幽默来自大量进退之间的对话和桥段，比如那场针锋相对的“古代辩论”。辩题为“是否可以用不正当手段获取个人应得财产”，和“我们分手吧”为题的李四一人分别饰两角对话。这是一些特殊的对手戏带来的。只在固定的男女搭档之间才可催生笑料。最后，第三种幽默便是肢体语言和演员走位带来的动作式滑稽效果，以及人物起死回生时刻的惊悚。肢体语言以几组人物三番五次进入后院为例。在围绕着算盘密码锁和古代保险柜之间的一切都值得玩味，那颤抖的恐惧以及李四的连滚带爬段落很是有“舍得一身剐”的架势。而后者，便是惊悚的效果带来的幽默，这属于黑色幽默的典范，以活埋段落和枪响前后的一切为代表。
由此可见，从喜剧的角度看，《三枪拍案惊奇》不仅合格，而且做到了分量十足，足以摧毁观者的笑神经。从制造“笑果”的想法和最终引爆“笑果”的过程上看，手法也较为纯熟，值得夸奖。
可是，当做一部掺杂了悬疑和惊悚成分的电影来看，《三枪》的问题和弊端就很是明显了：这部电影的所谓惊悚与悬疑成分，与喜剧比起来不仅少得可怜，而且难以撑起后半部分的起承转合。一切在第一声枪响时达到高度，第二声枪响渐入佳境，第三声枪响却显得平庸了。孙红雷扮演的张三几次出入，都与面馆成员一门之隔，喜剧效果很好，但是惊悚与悬念的气氛，渲染上依旧功力一般。也即是说，密室本应可以成为一个从结构到布局，从演员走位和调动场景都值得夸赞的电影潘多拉墨盒，一旦开启便“剧”力无限的，可是最终的结果却令人较为失望。除了迫近结尾的“箭”很意外，三声枪响的每一次发生，从情节的转折度和意外程度上呈现了逐渐衰弱的趋势，过于依赖原作的弊端在此刻暴露无遗。你没有办法期许情节上惊喜的同时，也就会产生影片最终戛然而止玩“欧亨利”式结局，却没有回味的感觉。进而想起那四个字，叫做虎头蛇尾。

也即是说，很多人会因为这“电影感”的量不足，调动的不够精彩，和与经典惊悚片悬疑片的之间对比后的差距而对影片产生误读。进而忘却那些喜剧桥段的快乐和癫狂台词的笑声四溢。这是一种不太公平的比对。而电影也由于艺术没有局限，评判没有准则的百家争鸣，会在《三枪拍案惊奇》出现后，可能上演两极分化的激烈对持和口水横飞的战斗。
不过，还是要赞叹一下张艺谋这“电影加法”的魅力。如果说《血迷宫》属于科恩兄弟，那么其特殊的美学效果在《三枪拍案惊奇》中得到了保留，科恩兄弟影片的优秀得益于其无所不在的独特风格。这对兄弟拍档影片的亮点便是镜头语言的频繁使用，这对写实风格的影片而言是一个很明显的优势，偏重写实不单单需要晃动的镜头和口语化的处理，也需要很大量细节的无声堆砌。这在孙红雷扮演的张三，首次琢磨保险柜遇到面馆人马进门，撤离时的大量动作细节，和对道具的摆放，以及场景的设计和烟灰的处理可见一斑。等到了将尸体几番在野外入土毁尸灭迹时，一些小道具如香包、血衣和烟袋锅等发挥了巨大的作用，虽过于技巧却给出了情节大量的急转直下值得称道。
由此可见，至此，《三枪拍案惊奇》这样一部特殊的喜剧的一切都没有意外。该爆笑的爆笑，该惊悚的用“梦境”这种稍显老套的手法吓你一跳（或者你根本不怕）。只有一点是较大的硬伤和遗憾，既《有话好好说》诠释了城市中人的诚信缺乏与冲动如魔鬼的现状，《英雄》让侠义之士们纷纷大义凛然变得主旋律，《满城尽带黄金甲》为宫廷夺权尔虞我诈搞春晚战术之后，继《千里走单骑》后的张艺谋，将电影的主题再度变得不那么鲜明和黑暗，人性中的弱点和阴暗在这个故事里再次代替了真善美，与好莱坞不同的是，他作为华语电影的扛鼎人，再次习惯性的用不正常人的不正常的行为，诠释了阴暗的思想。而非似好莱坞那般用不正常人的不正常行为，弘扬人类共有真善美般，总体上背道而驰。这种“一黑再黑”的幽默也似乎成为了华语喜剧近年来的风潮，其现象后的本质值得思考。

于是，喜欢《三枪拍案惊奇》者，会将这电影看做极佳的娱乐作品。哪怕它只是带给了肆无忌惮的分分钟欢乐却也无悔。苛求者只看电影的厚度和力道，是否深刻与手法熟练程度，却忽略了如果把张艺谋比作厨子，他不但会烹饪满汉全席，也出品爽口小菜的眼下现实。
这欢乐鲜明无比频率密集，程度惨烈到无法容忍。却也跟着电影的整体效果与“惊悚”二字的短板效应一起有着打折扣的危险。也许多少年后，喜剧会比之现在越来越难拍，我们也越来越苛刻。关于三声枪响后的一切真的也就没人再去迷恋，至于那些鲜艳的霓裳和足以摧毁的笑神经的东东，就不复存在，只是变成了个传说。

《十月围城》：商业模式中的革命理念

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 12:02:55 +0800

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“ 十年前，衢云兄跟我在此讨论何谓革命，当时我说，革命，就是为了四万万同胞人人有恒业，不啼饥，不号寒。十年过去了，与我志同者相继牺牲，我从他乡漂泊重临，革命二字于我而言，不可同日而语。今日再道何谓革命，我会说：欲求文明之幸福，不得不经文明之痛苦。而这痛苦，就是革命！”

《十月围城》中，孙中山先生的这句话数次响起，成为收缩全部剧情和情感的关节点。如果说，模式化的商业大片需要一个能获得最大范围观众认同的价值情感作为主题，那么本片中，这个主题就由这一革命理念所承担。革命，为所有的行动提供了动力，也论证了所有牺牲的合理性。革命理念本身就为电影带来了一种厚重的历史感和强烈的时间意识。

与当前大量商业片甚至历史剧对历史出奇的冷漠不同，《十月围城》至少作出了处理历史的尝试，将一种时间意识注入到了事件和行动之中。电影剧情其实很简单：20世纪初，孙中山来到香港与各省的地下党举行秘密会议筹划革命，满清政府派来杀手刺杀，而一群市井之徒则义务保护孙中山，以鲜血铺就了革命之路。围绕这一中心事件，电影在前70分钟文戏部分蔓延了许多枝节，分别交代这群市井义士的身份背景：为情所困的乞丐、妻子改嫁的赌徒、还俗的义僧、为报主恩的小厮、追从亡父的孤女、还有那“一闭上眼，就看到中国的明天”的少年。如果说，他们中的大多数都是出于各自不同的动机参与到这次保卫行动中来，并非真正的革命者的话，他们却都代表了一种通过革命得到宣泄和净化，使生命得到升华的愿望。他们都具有一个革命前的残破的、凋零的生命，他们本能地渴望着毁灭和重生，而保卫孙中山这一革命行动恰好满足了他们的愿望。于是，《十月围城》中高调表现的革命就不单单意味着痛苦和牺牲，而是一个崭新的时间的开始。“我们的时间到了”，正如电影中某个人物说的那样。电影中的所有事件都紧紧团结在革命主题周围，处于一种“革命时间”之中。孙中山的香港之行，围绕香港之行的刺杀和保卫，都被置于一个新旧时间交替的临界点上，浓缩成历史进程中的一个巨大的颗粒呈现在观众面前。

时间意识不仅紧扣着电影的革命主题，而且成为电影情感张力和叙事节奏的关键因素。电影前半部分的文戏讲了孙中山到香港前四天正反两派的准备工作，在叙事过程中，导演有意让每一天都成为单独的一天，交待这一天发生的大小事件，最后让画面定格在最主要几个人物的脸部特写上，并在凝重的音乐中打上字幕“孙文赴港前四天”、“孙文赴港前三天”……这种对时间的放大有效地延拓了观众的情感，使电影高潮部分观众情感爆发得更为猛烈。电影后半段持续60分钟左右的武戏也未放松对时间的处理，刺杀一方和保卫一方的角逐就表现为对时间的争夺。摄影机一次次对准了挂钟、怀表，不断地暗示人物的行动和时间的关系。如果说电影前半段的时间就像一张弥散的网，那么后半段这张网就紧紧地收缩了起来，人物的行动就像这张网中跳跃的鱼一样，你想让它停它也停不下来。这种前松后紧的时间节奏配合着电影的历史革命主题，确实赋予了电影波澜壮阔的史诗之感。在当前一大堆商业烂片中，《十月围城》无疑是观影回报最高的电影。

如果说《十月围城》有什么遗憾的话，这种遗憾或许来自它表现的革命理念本身。就像好莱坞主流商业电影总是将主题固置在民主、和平、家庭等普世的价值理念之上，以求被最广大范围的观众接受一样，《十月围城》作为面向华语观众打造的商业大片，也需要找到类似的价值理念。奇怪的是，陈可辛和导演陈德森的“革命理念”一半借自格瓦拉式的革命理想主义，一半则延续了《红岩》式的红色革命小说的路线，在这种“革命理念”中，革命被高度理想化（新的时间的开始），革命人物被高度概念化、符号化（就像本片中的孙中山一样）。尽管，中国中年以上的观众都是在这样的革命教育下长大的，但中国的主流知识界早已“告别革命”很多年了，就算普通民众对革命恐怕也是抱着敬而远之的态度。陈可辛和陈德森如果不是低估了中国主流观众的革命理解的话，估计也是对中国当前主流价值理念有所隔阂吧！

此外，作为一部向好莱坞主流商业片看齐的华语大片，《十月围城》显得模式化过重而创新不足。电影首先找到了它引为主题的革命理念，然后在主题模式下组织人物和剧情，主题设定了革命需要流血牺牲，于是观众看到除了革命者以外的市井义士按照这一主题模式全部挨个死去。对于熟悉这一模式的观众来说，情感或许跟随模式到达了高潮，但整部电影却没有一个意外和惊喜，似乎一切都在预料之中。善于怀疑的观众或许会想，革命需要流血牺牲，但让所有这些人都悲惨的死去，或许太不“人性”了一点吧！革命或许就未必那么正当。主题理念的僵化带来剧情模式的僵化，这对观众情感来说是一个干扰因素。

现在人们都已习惯了对电影采取“双重标准”：既然是商业片就不要谈什么艺术性。《十月围城》作为一部商业片，在布景、表演、导演等方面都表现了十足的诚意，它也力求在某种电影模式内部做到最好，比如它在革命主题—时间意识—情感节奏这三者之间的融合方面。但是即便一部以商业的名义拍的电影要想成为一部“好电影”难道就不需要一定的创新？一个好的创意、一个意外的惊喜往往能点亮整部电影，《十月围城》所缺乏的就是这一点创新和惊喜了。

《不能没有你》：死板制度下的父女深情

yingping8 — Tue, 05 Jan 2010 11:54:13 +0800

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网络时代，任何重大新闻的生命力难以超过一天，前一阵菲律宾记者被集体屠杀的惨剧，在新闻网站上与天然气涨价、甲流病毒变异等等杂芜新闻并列，人们根本无从感知几十条人命的重量。每日所见消息越丰富，我们对这世界的感觉越迟钝。《不能没有你》的故事灵感来源，也是千万社会新闻中的一条。据导演戴立忍讲，当那个绝望的父亲挟女在台北闹市跳天桥时，六家电视媒体热力直播，两日后，父女二人下落如何，跳楼原因为何，再没有媒体愿意浪费版面与时间。
戴立忍要拍这电影，好比有良心的记者，希望可以靠细述这则社会新闻的起因，提示我们在纷繁现象中拼命前行时，偶尔做静心思考——这世界究竟长了什么疮。

电影故事讲男人武雄为方便女儿入学，去户政事务所上户口，却遇见荒唐的制度困境：女儿是与早不知踪影的老婆私生的，他没有户籍文件证明自己是女儿的监护人，女儿落户必须去找到母亲，然而女儿决不愿与这没见过的女人过活。事情不复杂，但在户籍制度系统内无法解决，小女孩就无法上学。而且他们也将面临被迫分离的危险，因为据“社会局”的规定，户籍与监护权不落实，父女同住也是非法的。武雄面对的所有公务人员，都遵照制度规定，成为制度机器的冷面零件。事务所女专员，板起脸告诉武雄：“你的案子已经上交社会局，你到台北找官员我们也没有办法！”
《不能没有你》的好，并非在于揭露事件背后制度的死板，反而要以制度缺乏变通的无人性，衬托相依为命的卑微父女为避免分离而做的挣扎。他们生活的海港仓库堪比垃圾堆，他们不在意这粗鄙的条件，因为令他们活下去的，乃是作为一个人对亲情的不离弃。

影片在讲述父女情的细节时，没有令观众飙泪的渲染，一切如生活本身一般自然真实。戴立忍此前导演的《台北朝九晚五》，一派喧闹与浮夸，这回导演功力大步跃升，学会了节制的“美德”，将人物情绪控制得恰到好处。他没有描述父女间又怎样的亲昵，女儿一直很安静，武雄急切希望解决户口问题时，对女儿说：“妹仔，去跟妈妈住好了。”女儿一言不发，狠劲推了蹲在地上的父亲一把，武雄趔趄站起来，被女儿直楞楞地盯着。就这样一个简单的动作，小女孩儿所有的委屈与依恋、父亲全部的无奈与歉意，全部不动声色地讲出来。
影片末尾，父女二人分离许久，女儿被寄养家庭带着回到海岸边。这时她已穿上漂亮的裙子皮鞋，背着大书包，望向远处海面破烂的小船。船上刚收工的武雄望见女儿，呆立船头。父女二人无言相对许久，影片结束。导演避免了俗烂温情片巨大的煽情句点，观众不会在哭喊拥抱中得到心灵的虚假满足，而是要在无边的寂静中，考量情感的真谛。
节制的表现之二，是放弃彩色，转用黑白，这在如今以色彩绚烂为荣光的时代，等于弃绝一项票房的保证。但黑白色所展现的人物神情，洗去彩色的喧嚣，独有一种宁静，黑白画面粗糙噪点中的底层生活，自有一种坚韧。在那些老气的小清新影片刮过旋风之后，台湾电影貌似要从青春期再活一遍，但一些强憋的忧愁冲兑出来的乳臭未干的青春，在《不能没有你》跟前，根本算不得是活着的。

但黑白不是冷静，在父女俩境遇稍好的时候，影片会有许多极富创造力的抒情镜头。武雄与妹仔第一次去台北托人找关系，得到满意的允诺，回高雄的路上起了轻松的音乐，镜头拍向路边风车，弧形叶片徐徐旋转，线条优雅极了，好像生活也可以就此顺利运转下去。
回程夜晚，没钱的父女俩偷偷在一间小学校过夜。清晨，第一个到校的小学生进教室，发现在黑板上涂鸦的女儿与尚在呼呼大睡的父亲。父女俩急匆匆收拾行李推摩托，狼狈地离开。下一个镜头从教室门口缓缓移向黑板，女儿画的是一片大海，上面一艘小船，还有一个小太阳——这是妹儿与爸爸生活的地方。这场景里一点温柔的美，比任何滥情都要触动人。
还有水下镜头。武雄打黑工，潜水修轮船零件，每回入海，下到深处，向水面望去，都看见阳光透过水面闪着光芒，中间一个小小黑影，就是时时在船边“一直看，一直看”的女儿，这画面形式感极强，其中的浪漫气质与影片中现实生活的严酷交织起来，意蕴无穷。
这些抒情镜头里，有短暂的欢欣，透露一点点卑微的生之气息。这些小人物在挣扎中涌出辛酸的愉快，代表他们还是个有尊严的活物。至于《不能没有你》这部电影，也至少叫我们看到目下金光闪闪的中国电影市场中，还有一枚喘着粗气的活物。

【原载《东方文化周刊》】

《2012》：史上最牛灾难片

yingping8 — Tue, 01 Dec 2009 11:27:26 +0800

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文/慕容天涯
衡量一部商业电影价值的方式很多，但是最直接无异于进行对比。诚然，纵使《2012》有着些许瑕疵和几多不爽之处，但是不能因此否认这部鸿篇巨制的魅力。这种感官刺激是在大银幕前才能体会的极致。正因为此，从一部商业灾难片里找文戏毛病，是很令人厌烦的本末倒置。
为何这样肯定？试想一下灾难片最大的看点是什么？无外乎在合情合理的范围内，以摧毁视线内一切的方式上演连篇灾祸，慌乱的人们在末日来临之际满街奔走，躲避着一切的不幸。于是，当一部集结了滔天洪水、山崩地裂、火山喷发、雪灾景象和山海巨变景象的灾难电影出现，且样样精通皆满分时，就显得无比强大了。
说到底，导演艾默里奇绝对是个聪明人。影片中世界末日的可能性暂且不论，单就离眼下只有三年，一切周围事物影片中无比熟悉的“迫近感”而言，这玛雅预言主题选择，就显得技巧性十足又切中观者的要害了。要知道，那些看上去不算陌生的电子通讯设备、豪车楼宇沉没在加州的阳光里的场景、以黑人身份出现的美国总统徜徉在火山灰间、以及直播电台方式时时刻刻为预言临近添油加醋的描绘，均打造出了一系列难以言说的真实感。这个与今时今日仅仅不足千日的未来故事没有生疏，只给人以身临其境时日无多的恐惧。
因此，单从这一点上，影片就可谓脱离了常见灾难片藩篱。因为这类电影常常有一次航行、上演无端的一次远足的窠臼。人人面临将要到来的末日，造就了所有观影者皆在此列的代入感。这种接近是无价之宝，使得人们在观看影片之时和离开影院之后可以时时探讨关于影片的一切。哪怕这是一个任何人都无法肯定的古老预言，或者制片方用来推波助澜的宣传噱头而已。
于是乎，影片里出现了你所能期许和不敢想象的一切。影片首先有一个离受众无比接近的主题，属于先入为主的优势。同时，如果不能带来震撼人心的效果，一切都将是空谈。影片里的视觉特效达到了近年来的巅峰。雪灾景象犹如导演前作《后天》般精细；而滔天洪水和大船故事直指《泰坦尼克号》；至于火山喷发的漫天烟尘犹如《天地大冲撞》的俯瞰角度创造惨剧；海上巨浪和卷起航母砸向白宫的劲头仿似《完美风暴》；满地火焰炽烈烘烤和天塌地陷的裂缝令人想起《世界大战》……也即是说，《2012》这部影片属于“巨无霸”式的灾难大集合，最近十几年来所有在大银幕上出现过的灾难电影之卖点齐聚一堂，被艾默里奇拿来放大型号，重新塞到一起组成大杀器般的灾难巨制。当然，还包括加州沉没的惨烈和洪水流过喜马拉雅山脉的浩渺。单从对地球的杀伤力和编导的创造力来讲，这都是同类型前作们所无法企及的高度了。

可问题是，好的片段需要好的手法来展现，先不论整片中CG效果的真实程度和精细，单就一些表现方式就值得夸赞。以天塌地陷的裂缝为例，可能营造气氛这一点上，艾默里奇远不是斯皮尔伯格老狐狸的对手，但是同样的离异男子亲情故事（老爹带着一儿一女狂奔）里的裂缝都是不请自来的，它们隐藏在一些视觉化的分割画面中，比如女主角与现任丈夫“需要分开一段”的话语过后便分立在裂缝两侧，以及《创世纪》名作从指尖为界断裂的弧顶，都给人留下了深刻的印象。至于加州沉没一段时时刻刻追逐着汽车和飞机的裂缝以及浓烈烟尘，都使用了一升一降的空间悖异。看似上升的飞机在镜头里玩命爬升，而下方，是由无数汽车、房屋、行人掉落裂缝场面所充当的背景，爬升艰难的同时放大了灾难的悲悯。

而之前在斯式电影里用来当作卖点的高架桥断裂场景，和《完美风暴》里夺人眼球的数百米巨浪都升级到新款。前者好像不要钱般随处赠送，后者被变成几千米的巨浪漫过世界之巅，单以目前电影技术的极限和表现力的宏大来看，目前的世界影坛拍摄灾难电影的同行们，已无人出其右者。
于是乎，除去这些硬件，影片的故事就显得要求不高了。好在影片的主线三条清晰不拖沓，你可以归结如下：过气作家杰克逊一家的冒险，黑人科学家艾德里安与白宫的交涉、以及俄罗斯富豪的半路加入。这三条线中的前两条是主力，属于串起全片的骨架，最后一条副线渐渐的与杰克逊一家相融合，合二为一。导演在文戏中选择了三种表现对象：普通人，也即是民。政要与科学界。以及富豪们。灾难来临之际，政要们毫发无伤，富豪们汇金似土用10亿欧元搞定一切，普通人过五关斩六将上演绝地自救。而这种不正常的反人伦和反生命的择选生存权力现状，最终在灾难临头之际引发矛盾。故事在最后露出“纠结”本质，在最后内一个小时不光有天灾，且弄出人祸。不过影片总体看依旧思想深度欠奉，比之冰山沉船的老夫妻相拥赴死，和世界大战的众人疯狂抢车的人性善恶追问，显得力度骗弱，浮于表面。

至于影片的情节中的中国元素，相信是近些年好莱坞大片思路最“正常”的一次，因为既没有怪异口音打扮奇特的国人，也没有假文化民俗的展示。“诺亚方舟”建在中国的思路与救赎犹如西方主流影视界一次彻底的回馈。而对于汶川的致敬虽是亮点，但那些繁体字的按钮标识还是输在了想当然，不过，造船工人带领主人公和家人进入大船的景象还是极具国人熟悉的“走后门”趣味的。与此相比，影片反复渲染的八国峰会和白宫内黑人科学家艾德里安与上司的争执就显得很模式化了，不过好在这是在一部灾难片里推动情节进步的软件，属于不过不失的标准配置。它们和男主人公杰克逊一家的遭遇一样，给不了你大的惊喜，只负责让你在灾难之余稍作喘息。不论演员任何卖力的表演，他们塑造的人物都不会给你留下太深的印象。单论戏份，俄罗斯富豪这个老家伙演的最传神和雷人，而谈及细节，杰克逊女儿的帽子是一个亮点，时时奉上新意。
而影片的结尾，就和所有的灾难电影一样，不令你绝望到最后，顷刻阳光遍洒大地高调结尾。这于是也带来了科学家与总统千金的速配和所有人员走出舱门时山寨《walle》的开门迎接新生活，地球没有在“山崩地裂水倒流”里毁灭，未来不可预知。
这一切，用中国人最传神的一句“沧海桑田”即可概括。好莱坞的口吻，也许会称其为“创生”。

至于你讨厌那些黏糊糊的文戏，考量了玛雅预言的真实后，对灾难场景嗤之以鼻戴上有色眼镜。就是仁者见仁智者见智的行为了。简而言之，别对这种剧情可以忽略不计（其实本片剧情蛮可以）的片子在弱项上反复刁难了。以软件定高低的这种判评标准对灾难片并不公平，这犹如去《变形金刚》里找剧情，到《罗马假日》里去批判特效。到《007》系列里去质疑这哥们为啥总是不死还艳福不浅。到《大力神在纽约》里质疑那家伙为啥像个雕塑光着身子乱跑。到《××总动员》里质疑你皮克斯敢不敢弄些真人来出演一样无聊之极。
所以说，综上所述，一部影片是不是好电影，需要考量它的评判标准如何选择，以及最直观的拿来与同类作品进行对比。作为电影，你有一万个理由把《2012》贬得一文不值踩在脚下。但作为灾难片，它不仅近年来无出其右者，且在历史坐标上一一对照也难寻敌手，可称最牛。

《血迷宫》：三枪神作源自科恩

yingping8 — Tue, 01 Dec 2009 11:15:08 +0800

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文/魔小肥
科恩兄弟应该颇感吃惊，2008奥运会开幕式导演张艺谋竟然来买他们的处女作的版权。一部拍摄于1984年的低成本黑色惊悚犯罪题材电影，一把枪三颗子弹，短短九十九分钟，这个故事会在2009年的冬天在中国重新焕发光彩吗？

《血迷宫》的故事好玩之处就是在偶然之处体现了必然，在无事之春酿造了多事之秋。故事整体建立在当时西方的道德体系之中：老婆跑路，丈夫雇人杀妻及第三者。这个故事当然也有可能发生在当下，但是现在开放自由的性观念与雇凶杀背叛者的行为是相触的。张艺谋将故事设定在非现代，也是可以理解的。不过，《血迷宫》沉重的道德枷锁会在《三枪拍案惊奇》中重现吗？单看预告片闹闹腾腾的山寨风以及结尾将要出现的多人二人转，穿越风强烈的《三枪拍案惊奇》极可能不会有痕迹太重的道德讨论。
《血迷宫》中的三颗子弹，分别是由三个不同角色的直接或间接的击发。但在我看来，这更像是一部女权电影。首先是，枪是属于女主角的。她强烈的自我保护意识，不仅仅是要放着丈夫，其实是要提防着每一个企图伤害她的男人。第一颗子弹让她的老公走向了死亡边缘，第二颗子弹让第三者和她无奈地卷进了这个迷宫之中，最后一颗子弹，也是她人生开的第一枪，她从心理上打死了欺负她的丈夫。
《三枪拍案惊奇》不是所有人都死了，闫妮最后还扭起了秧歌，这个女权主义的继承很有可能从科恩兄弟传递到了张艺谋手中，张导的早期作品有强烈的女权意识，从《秋菊打官司》到《十面埋伏》，张艺谋的女性追求自由的欲望都十分强烈。

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在《血迷宫》中没有直接揭示女主角与她的丈夫的关系是如何走到背叛这一步，这都需要人物相对静态的表演瞬间来体现，例如女主角拿出三颗子弹的瞬间，又如丈夫提到老婆跟人跑路时，无法抑制的愤怒以及控制欲，侦探这一角色则在反衬主要的三角关系之中起到推波助澜的作用。对话不多，但几乎每一句都是精髓，每一句都值得细细片尾。
反观《三枪拍案惊奇》的预告片，中西合璧的对白，有《武林外传》的极品穿越，又有《不差钱》的东北二人转，显然，张艺谋仅仅是看中了《血迷宫》的故事结构和人物关系，对人物如何塑造以及故事怎么讲述，他有自己的一套，他玩自己的，我们拭目以待。
《血迷宫》是深具悬疑色彩的，大量的主观镜头，昏暗无光的色调，剑拔弩张的气氛。在处理枪击事件时，除了全片最后一枪，其他几枪全部都在所有人毫无防备间击发。《血迷宫》的硬件设备远远比不上现在的数字高清加电脑后期特效处理，没有慢镜头，没有维亚，没有CG特效，即使是美术布景方面，应该说也只是还原了八十年代初的真实。不过，也正因为在八十年代处是在拍摄八十年代的事情，一切都显得非常真实。道德、伦理、罪恶、死亡、以至于生存全部都集中在不多的两三个场景之中，光线之灰暗、镜头之深邃，焦点的变化会让人很容易想起《公民凯恩》里的经典镜头。这是让影迷们会对《血迷宫》津津乐道的原因。
《三枪拍案惊奇》是一部商业娱乐大片，张艺谋也已经是国际知名导演了。张艺谋对色彩和造型的追求和造诣完全可以屹立于世界名导的行列。不过，《三枪拍案惊奇》透漏出强烈的商业气息，不禁让人会对张艺谋产生疑问，这是一部登峰造极的山寨电影？还是一部全新体验的新喜剧呢？
不管如何，我还是诚挚推荐这部《血迷宫》，也许你看完后，也会明白为何张艺谋会选择它。

用《蜗居》给心安个家

yingping8 — Tue, 01 Dec 2009 11:08:29 +0800

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文/一等兵joyce

曾经看过一段文字，说有个富翁醉酒在外想回家，警察指着不远处的一处豪宅告诉他，那不是你家吗？富翁摇摇说，那是我的房子。看似不经意的只字片言就把家的轮廓描绘出来，富翁眼里那个都市豪宅，只不过是装下身体与生活的居所，而能让自己感受到亲情幸福并能容得下心的那个“家”离他太远了。最近一部热映的电视剧《蜗居》就是在讲这样一群找“家”的人，在剧中有的人找得到了，有的人却怎么找也找不到。

故事从备受社会关注的房子问题入手，用海萍、海藻姐妹二人的生活经历，向观众真实再现了一个有关都市权利、欲望、金钱、道德交织下的种种问题。于是，在中国这个特定的二元社会里，在都市繁华的夜空下，在编剧凌厉的笔调中，我们看到了芸芸众生与自己的生活轨迹，看到了现实社会的不公与残酷，看到了城市光鲜背后的灰暗与沉重。相信很多朋友都可以在剧中找到自己、邻居、亲戚、朋友的影子，或许那个海萍、海藻或者宋思明、苏淳、小贝……就是生活中的我们、你们、他们。

虽然看完电视剧我们该上班还上班，该下棋还下棋，但剧中那对于现实的种种揶揄与反讽给我们以共鸣和抚慰。这样的共鸣源于生活的相似，而这一剂抚慰则是给我们疲惫、奋斗之心以温暖和关怀。

俗话说态度决定一切，一个人的态度不光可以决定自己命运还有可能改变周围人的生活。一心想买房子的海萍也曾青春年少，激扬文字，但在她步入社会后，所有的一切都开始发生变化，在这个充斥着物质繁华的社会里，房子是让她安定下来的必要条件，用她的话说是生活必须品，所以在房子这个重压下，她开始为房子而奔走，终成房奴。成为房奴的她怎么也没有想到，自己的梦想实现是以牺牲妹妹为代价的，而这个牺牲，从头到尾都没有被减弱。如果没有她的房贷、妹妹不会成为人人鄙夷的“二奶”、老公苏淳不会陷入囹圄风波，自己也不用辛苦谋职……，如果没有如果，也许就不会有她后面的事业了，在这里她用奋斗给了自己一个正确的生活方向。

比起姐姐来，妹妹海藻要可怜的多。这个心地善良的单纯女孩，从刚开始半推半就怀抱报恩之情，到顺理成章地周旋在两个男人之间，再到最后说出“人情债，肉偿了”、“职业二奶”这一路走来，堕落之路走得如此简单，如果她只是个贪恋钱财的女子倒也罢了，这样反倒可以让我们彻底一些，在思想上认同唾弃，可她偏偏不是，这一切终归源于姐姐的“房奴”生活以及内心深处对姐姐的爱。海藻对姐姐的感情从某方面来说有情有义，虽然有些不理性，但不能否认这是亲情在她身上出现了错位；在对待自己感情问题上，海藻的自私超越了一切，这样的感情一开始就注定是个悲剧。顾此失彼的感情怎比得上一心一意来的痛快和彻底，所以小贝与海藻的感情戏打动的不是一个人，而是一群人的感情，在这群人身上，体现的是容忍度。以第三者身份出现的海藻与宋思明之间的感情同样有社会土壤，如果没有市场有多少人心甘情愿做人“二奶”、“小三”，在残酷的社会竞争与物质享受下，一时的无奈让海藻选择放弃自己。

繁华的都市无法掩盖不住权利欲望的交织，海藻挥霍的仅仅是自己的青春和后半生的幸福吗？当这个念头涌入脑海，发现不仅仅是这些，她放弃的还有自己内心里的选择。信仰的缺失让我们迷茫，理想的蹉跎让我们疲惫，社会的现实让我们愤怒。既然我们无可选择地和这个社会交汇就应该积极地靠自己和社会融合。光怪陆离的大千世界，就如同台词里讲的那么现实，而对于这个承载和依托我们的社会，我们又该以怎样的态度融入它呢？或许剧中的那句话最能给我们启示：生活其实只是需要一种积极的态度。当我们追求什么，人生就已经离什么不远了。

在中国这个固有的国情与家庭观念中，责任与义务是息息相关的，个体既是责任的受众也是义务的提供者，对于社会这个大家庭也一样，我们不能象手电筒一样只盯着社会责任这一块，而忘了自己要做的那一面，有付出才能有收获。社会还是这个社会，变化的终归是人，当我们沉淀审慎自己时，是否发现自己本身也曾经历《蜗居》中的某一阶段。《蜗居》不仅仅是一部电视剧，它还是社会变革时期的见证者，让老百姓讲自己的故事，它真实，所以能得到观众以共鸣，它深刻，反映出一些社会问题和矛盾。

一个人的伟大，并不是说你为社会做出多少贡献，你多有成就，而是在你面对诱惑的时候懂得放弃。懂得放弃，对于这句话，不同年龄阶段的人对此有不同的评价，当你能真正地能体会理解这句话时，你的年龄和环境已经不可同日而语。就好比你握紧拳头，手中什么也没有，松开双手，你拥有的就是一切！当你把一切得与失都看得不再重要，你的人生才能平和。这就是一种生活态度，当你正在享受生活或为生活所累时，能否给自己和心灵放个长假，安安稳稳地把心放到这个物质堆积起来的房子里，给自己的心灵找个可以《蜗居》的“家”。

《花木兰》：狗血淋头的快感

yingping8 — Tue, 01 Dec 2009 10:57:35 +0800

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文/麻绳
当上帝给你关上一道门的时候，总是会为你打开一扇窗。当国产喜剧日益丧失笑果的时候，我又在狗血的伪大片中找到新的乐趣。我承认《花木兰》给我带来了快乐，但这种快乐只不过是创作者认真煽情刻意高尚的副产品，于是越是看到他们在那里一本正经地炮制狗血剧情，我就愈发在这种恶趣味泛滥带来的快乐中难以自持。

从影片类型上说，《花木兰》属于一部战争片，但战争场面并不宏大，但看惯了摆脱地球引力的超现实武侠风格，这里硬朗的写实风格让第一场局部战斗便具有了先声夺人的气势。最后一场诱敌战，从弓箭兵扫射、盾牌兵杀伤到步兵和骑兵最后出击，虽然有《赤壁》的影子，但冷兵器战争模式打造得还算合格。但《花木兰》和《画皮》有着同样的特征，那就是有限的战争或动作场面只是作为噱头存在，而真正撑起剧情主干的还是七拼八凑的肥皂剧情节，这让影片活像一部电视剧。

但《花木兰》不如《画皮》扎实的地方在于，《画皮》大量的文戏部分格局和立意都很小，只是一个没有阐释难度的情感故事，而《花木兰》所承载的是一个宏大的反战主题，对于马楚成这样的导演来说，这样的主题把握起来显得很吃力，给人一种小马拉大车的感觉。从花木兰初次参战开始，就表现出她对杀人产生的强烈的心理厌恶，而且这成为贯穿影片始终的一条心理线索，马楚成可能是怕观众领会不到，不断地通过人物的行为和对白强化主人公的这种心理，而当这一切建立在花木兰屡立战功杀敌无数的基础上时，这种仅停留在口头上的反战表白就显得很苍白很矫情。而且这条线索平铺下来，没有反复，人物的成长仅停留在刀下亡魂的累积上，如果让花木兰经历一个从本能的逃避血腥到麻木的杀人机器再到反战情绪被唤起的过程的话，影片会获得更多的层次感和主题的升华。

屠杀战俘的一场戏，应该是这一主题的高潮段落，催泪的企图很明显，但这里的情节设计和场面调度都极其可笑，唱歌已经很狗血了，而让一帮待宰羔羊在歌声中表情各异地来找镜头，我终于悲伤过度地笑场了。当最后胡军扮演的柔然国王退兵时，身边的一个朋友替剧中人说的一句话彻底让我笑喷了：“我是被你们雷跑的！”马楚成生生地把一场悲情戏拍成了喜剧！

更狗血的剧情来自赵薇和陈坤的感情戏，其实这不是一部考验演技的戏，花木兰本身就是女扮男装的，失真是自然的，至于那种牵动很多面部肌肉的狰狞表情，更与演技无关，所以我对事先有的影评人所说的赵薇的演技突破觉得很困惑，他们看到什么了？其实我真的很反感国产影视作品中有关易装的戏码，明明是只要正常智商的人一眼看去就能辨别出男女的角色，大家都视而不见地认同这种拙劣的性别置换。看看达斯汀霍夫曼主演的《杜丝先生》，看看他是怎么扮演一名女人的，或者看看然后我们再来讨论演技吧。

陈坤扮演的文泰是个很有意思的角色，不是角色本身多有趣，而是导演所赋予的这个角色的尴尬和无聊让我觉得有趣，首先他为了花木兰“变得强大起来”所做的牺牲让我觉得很扯淡，后期陈坤与赵薇的对手戏让我产生了很强烈的性别错位的感觉，阴柔过度、眼神幽怨、楚楚可怜、成天以泪洗面的陈坤面对着男人装赵薇，简直太有喜感了，以至于达到“我一见你就笑”的地步了。更别提那些类似“我天天在数星星”那样的脑残体台词，心中根本就没诗意，还非要搞出什么诗意的台词，结果连起码的逻辑都没有了，只剩下满嘴的炉灰渣子，还不如不那么早拆穿花木兰的女儿身，让他们搞搞断背呢。

一个家喻户晓的题材，既是优势也是劣势，在破除了观众对人物和情节的接受障碍的同时，同时也对创作者提出了更高的要求，需要从这个人物身上看到更多的意料之外的惊喜，但《花木兰》在这方面实在是乏善可陈。马楚成是个适合拍摄面对90后电影的导演，而用这样幼稚的心态去把握意图玩深沉的题材时，只能用洒狗血来掩盖其创作上的无能了。

《成都晚报》特约稿件，转载请注明

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